Entre eles estão o Drama Desk Award por suas projeções para Prima Facie na Broadway, e os prêmios Eddy, Excellence e Total Production por iluminação e design de produção.
Williams é o diretor criativo do U2 há mais de 40 anos, responsável por mais de mil shows em 240 cidades ao redor do mundo. Apesar dos sucessos extraordinários do passado, cada vez que eles fazem um novo show, ele disse: "Voltamos ao começo. E o objetivo é sempre criar uma conexão emocional com o público".
Ele começou a trabalhar com a banda durante a era punk, quando, segundo ele, "era considerado extremamente deselegante projetar um show, mas em arenas maiores precisávamos de algo e cunhamos o termo 'minimalismo máximo'".
Williams começou na década de 1980 e continuou expandindo a presença do U2 no palco à medida que a banda fazia sucesso e as luzes móveis se tornavam mais comuns. Mas ele começou a perceber que essa nova ferramenta estava começando a fazer com que as turnês parecessem iguais. Ele mencionou algumas inspirações que ajudaram a romper com o visual de grandes shows de rock, incluindo Laurie Anderson, que estava experimentando tecnologia de maneiras diferentes.
Ele disse: "Na próxima vez que o U2 se apresentou, pegamos todas as tecnologias emergentes e as implementamos, basicamente atacando o público com tecnologia, incluindo a primeira selfie do mundo e um sistema de iluminação feito de carros".
Depois daquela turnê, Williams experimentou fazer pixels de vídeo a partir de LEDs atrás de telas de lona para o U2 e George Michael, eventualmente evoluindo a ideia para uma enorme tela de vídeo em formato de cone invertido, expansível e contraível, apresentada na turnê U2360. Baseado na escultura da esfera cinética de Hoberman, ele resolveu o problema das telas brilhantes do Jumbotron e apresentou conteúdo ao vivo e gravado.
Uma marca registrada do trabalho do designer sempre foi o humor, desde os pequenos Trabants, um símbolo da indústria automobilística da Alemanha Oriental, conhecidos por suas pequenas dimensões e histórico de segurança não particularmente estelar, até as bolas de espelhos em formato de nave espacial — ele já disse que nenhum show está completo sem uma bola de espelhos. Outra característica de seu trabalho é trazer colaboradores improváveis para projetos, como Roy Lichtenstein na turnê PopMart e os criadores do brinquedo de esfera Hoberman.
Mais recentemente, ele trabalhou com o U2 no Sphere, o evento inaugural do enorme globo em Las Vegas, que desde então se tornou o destino para residências musicais. Sem o projeto criado por Williams e pelo Treatment Studio, é difícil imaginar como o Sphere teria sobrevivido como algo diferente de um cinema. Não há posicionamento real de iluminação, nem palco, e a maior parte do público está sentada em um ângulo assustadoramente agudo, olhando para baixo, o que não é propício para dançar. Ele explicou sua abordagem ao local. "O Sphere é grande o suficiente para abrigar a Estátua da Liberdade e foi projetado para exibir filmes em escala gigantesca em alta resolução. Mas me ocorreu que a ausência de cantos era crucial para qualquer tipo de design de vídeo. Nós navegamos pelo espaço pelos cantos, eles ajudam a dar uma noção de escala, e sem cantos podemos criar nosso próprio espaço e escala. Nossos cérebros simplesmente absorvem isso. Pegamos o espaço e o transformamos em um cilindro ou cubo ou baixamos o teto. Paramos de pensar no Sphere como uma tela e passamos a pensar nele como um espaço. Não é um meio visual, é um meio psicológico, e para manter a ilusão é muito importante não quebrar o feitiço".
À medida que as imagens se movem na tela, o público percebe todo o edifício se movendo, incluindo eles próprios, muito parecido com a sensação de estar sentado em um trem em uma estação e o trem ao seu lado se move. No Sphere, é ao mesmo tempo desorientador e estimulante, pois estão todos juntos nessa jornada.
A ilusão começava assim que o público entrava no local. A superfície de projeção interna ecoava o Panteão de Roma, aberto ao céu noturno. À medida que o design progredia, Williams adicionou piadas visuais; um pombo voando dentro da cúpula, um balão vermelho flutuando e movido pela brisa, e até mesmo uma luz de trabalho que piscava. Enquanto o público estava sentado, um helicóptero chegava levando a banda ao som da trilha sonora de Apocalypse Now. O pombo e o balão não eram reais, e a banda não chegava de helicóptero.
Não eram painéis de concreto com vãos para iluminação, era tudo uma tela de vídeo.
Williams encerrou a apresentação dizendo: "Minha tarefa tem sido entender como o público funciona. Usamos o design de iluminação para guiar o público. Desde o Renascimento, os pintores usam a perspectiva, e nossos cérebros a consideram real, mesmo sabendo que são apenas marcas na tela. No Sphere, todos nos movemos juntos através da moldura da imagem". Ele fez referência ao romance Rainbow's End, de Vernor Vinge, onde os humanos interagem com a vida por meio de camadas de realidade virtual para criar seu próprio ambiente visual. Mas uma das conquistas do Sphere, disse ele, é que "estamos todos juntos nessa, não separados pela tecnologia. A música é a experiência imersiva original que nos permite nos perder em algo. Já vimos isso antes, é claro, os construtores de catedrais entendiam muito de entretenimento e trabalho em larga escala. Eles foram os criadores do "vá grande ou vá para casa", entendendo como criar uma sensação de admiração e poder. Meu único objetivo é reunir as pessoas para compartilhar um pouco dessa alegria e magia".
Quanto ao que vem a seguir, Williams sugeriu experiências mais imersivas e, possivelmente, avatares tanto para o público participante quanto para apresentações ao vivo de artistas mortos ou ausentes. Será que vai funcionar, ele perguntou, ninguém sabe. Mas ele resumiu o trabalho da comunidade de entretenimento ao vivo desta forma: "O essencial é pedir que as pessoas saiam de casa, desliguem os celulares e se reúnam".
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