O designer Willie Williams projeta experiências compartilhadas. Igualmente em lugares indoor com performances intimistas e espetáculos oudoor de estádios, ele criou shows para uma variedade de artistas. Sua longa associação com o U2 culminou com a turnê 360°, sem dúvida a maior turnê da história.
"Minha produção criativa abrange várias formas diferentes, mas meu trabalho diário é o design de shows e ambientes de performance, desde shows de rock em grande escala até teatro e artes cênicas.
Em nossa era online saturada de mídia, a experiência da performance ao vivo tem uma ressonância especial e a troca de energia entre o público e o artista pode ser excepcionalmente poderosa. Vejo minha tarefa como criar uma situação em que essa troca possa ocorrer e, quando for bem-sucedida, um espetáculo se tornará uma experiência visceral e sensorial para o espectador. Há uma energia que vem de trabalhar com música em um contexto ao vivo que é diferente de qualquer outro meio. Criar essa experiência e trabalhar com a música que tenha pontuado os pontos altos emocionais da vida das pessoas é um privilégio extraordinário.
Inevitavelmente, a criação de um show ao vivo é um processo altamente colaborativo, então eu equilibro isso trabalhando sozinho e em uma escala muito menor fazendo instalações baseadas em galerias. Estes são compostos de pequenas máquinas que produzem espetáculos de luz a partir de objetos de vidro irremediavelmente feios. Estes são mostrados sem trilha sonora, além dos ruídos mecânicos dos próprios objetos. O trabalho é bastante meditativo e projetado para ser ingerido em um ritmo mais lento e suave do que uma peça baseada em música.
Se há um fio que permeia tudo o que faço, talvez seja algo relacionado à descoberta da beleza em lugares inesperados. No trabalho da galeria, estou pegando objetos que são descartados, fora de moda e negligenciados, então mostrando-os sob uma luz diferente, estou tirando deles algo emocional e genuinamente comovente. Da mesma forma, muitos dos meus designs de shows foram de natureza extremamente hi-tech, mas junto com a tecnologia eu sempre gosto de incluir elementos que são muito físicos, muito lo-fi. Sem isso, a tecnologia pode se tornar muito fria e desumana. O elemento trash, ou diversão, ou kitsch resgatado é o que faz a conexão com o espírito humano.
Eu entrei em 'fazer iluminação' por sair com amigos que estavam em bandas. Era 1977, o punk rock estava a todo vapor e eu estava ocupado fugindo de casa. Eu nunca seria um músico, mas adorava estar na atmosfera da vida de shows em clubes, então comecei a perseguir algumas das minhas bandas favoritas da época. Comecei com iluminação principalmente porque parecia uma maneira divertida de me envolver e não havia mais ninguém para fazer isso. Eu não tinha absolutamente nenhuma estratégia de carreira, mas era guiado pela pura alegria de fazer parte dessa grande, apaixonada e poderosa coisa – o show ao vivo.
Outro ponto de virada foi tropeçar no mundo das artes cênicas, uma descoberta que foi tão ponto de partida e inspiradora quanto o punk rock. Costumo citar Laurie Anderson como sendo minha maior influência e seu trabalho com set multimídia colocou em movimento a onda de imagens que agora nos domina. Foi um grande privilégio trabalhar com ela e também com o Kronos Quartet. A clareza de visão e a qualidade das ideias, para não falar da capacidade absurdamente virtuosa dessas pessoas, é enormemente inspiradora e é uma experiência que retro-alimenta o resto do meu trabalho.
Com o U2, em sua turnê 360°, tocamos em estádios de futebol com público em volta e usando uma estrutura não muito diferente da metade inferior da Torre Eiffel. Essa configuração permitiu que um número colossal de pessoas assistisse a cada show, criando uma situação que fundiu a energia de um show de rock com a de assistir a uma partida de futebol. Todos os membros da platéia estavam de frente para o palco, mas, como em um evento esportivo, também estavam de frente um para o outro. Isso criou um senso de comunidade muito poderoso dentro do estádio e os shows foram emocionalmente muito intensos. Não parece possível criar intimidade em uma escala tão grande, mas é isso que acontece.
Há a diferença de experiência. Tudo se resume à diferença entre trabalhar em colaboração com uma equipe e trabalhar sozinho. No meu caso, há também uma diferença de escala muito extrema entre minhas peças de arte pessoais e os ambientes de performance.
Francamente, há prós e contras em ambas as situações. Trabalhar em equipe traz grande vantagem social, além de ganhar força e confiança do grupo. À medida que o processo continua, fica claro que você não ganhará todas as discussões, então o compromisso se torna uma parte inevitável do trabalho. Trabalhar sozinho, sem um cliente, é uma experiência maravilhosamente libertadora, pois você tem total controle e liberdade para fazer exatamente o que deseja. No entanto, é muito mais fácil ser vítima de crises de confiança quando não há ninguém para trocar ideias e, falando pessoalmente, é muito mais difícil decidir quando um trabalho está concluído, especialmente se não houver um prazo determinado.
Muitas vezes sinto que meu trabalho de instalação serve como um laboratório. É uma exploração totalmente prática dos aspectos mais básicos de luz, imagem e movimento, criando ambientes sensoriais imersivos com um mínimo absoluto de elementos. Alimentar essa experiência "micro" de volta à escala colossal de um show de estádio é extremamente útil, especialmente para entender a importância de manter a emoção do espectador na vanguarda do processo. Quando uma peça de trabalho envolve grandes quantidades de equipamentos, tecnologia e dispositivos mecânicos, existe o perigo sempre presente de que o hardware atropele as qualidades emocionais da experiência. Minha esperança sempre é criar uma conexão com o espectador, dar a ele uma experiência emocional que está fora do seu cotidiano, ficar com ele, fornecer sinais de pontuação. O objetivo permanece o mesmo, independentemente da escala, mesmo que os processos dificilmente poderiam ser mais diferentes".
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