No ano de 1997, The Edge explicou o conceito da turnê Popmart do U2 para a Revista Guitar World, e abaixo ele fala sobre as gravações do disco 'POP':
"Em primeiro lugar, a maioria das histórias que circulavam antes do lançamento de 'POP' eram mais especulações ociosas do que baseada em qualquer coisa que levamos as pessoas a acreditarem através de press releases ou entrevistas. A única coisa de que tínhamos certeza quando entramos no estúdio é que queríamos produzir um registro vital. Nós não fomos claros sobre o tipo de música que seria.
Também estávamos interessados em experimentar novas técnicas de produção e composição. E nós fizemos amplas experiências com um monte do material. Mas logo ficou evidente para nós que todas as nossas gravações favoritas eram aquelas que gravamos praticamente como uma banda, com certas adições. Mas ficou claro no estúdio que a abordagem mais interessante para quase todas as músicas era a abordagem da banda - a química da banda.
Eu não posso dizer que isso foi uma surpresa, mas é reconfortante que depois de empurrar as coisas tão longe na direção contrária, descobrimos que a abordagem mais interessante é realmente os quatro indivíduos tocando juntos. Nós sempre soubemos que é o que era especial sobre qualquer coisa que lançássemos, mas fizemos uma grande jornada para voltar a alguns arranjos e produções essenciais do U2.
Estávamos trabalhando em várias músicas ao mesmo tempo, incluindo algumas que nunca chegaram ao corte final e foram colocadas de lado para uma outra oportunidade. Muitas das músicas do disco tinham diferentes encarnações e arranjos. "Mofo", ironicamente, começou como um arranjo soando tradicional sendo tocada por quatro indivíduos, e depois seguiu em uma direção muito mais techno. Mas a versão final teve um pouco daquilo de volta, removendo qualquer loop, qualquer coisa eletrônica no departamento de percussão e ancorando a música com uma performance única de Larry na bateria em camadas em cima de alguns dos elementos de um arranjo mais techno.
Essa é uma metáfora interessante para a maneira como o álbum foi feito. Não havia uma direção clara em termos de desenvolvimento das canções, o que muitas vezes acontecia por meio da combinação de sons e abordagens aparentemente conflitantes que criavam os arranjos finais mais interessantes. Larry, às vezes, tocava contra um teclado ou um loop de percussão, então você consegue aquela combinação dos anos 90 com o aspecto mecânico do techno com esse aspecto de desempenho muito humano. Nenhuma das músicas eram muito puras em sua abordagem; sempre houve algumas direções diferentes tomadas.
Estávamos ouvindo muita música que foi construída em torno de loops e samplers; hip-hop, muito trip-hop lançado no Reino Unido, e depois a cultura dance, techno e house. Tem uma sensação, tem um som. Algumas delas eu realmente gosto. Nós só queríamos ver se a estética dessas músicas seriam uma adição interessante ao que fazemos. Nós incorporamos novas ideias e permitimos que elas filtrassem através da banda. Nós as absorvemos e elas se tornaram uma parte natural do nosso som. Suponho que o que foi radical em alguns dos pontos de partida do disco foi que começamos com um loop e depois o tiramos de lá, muitas vezes com Larry substituindo loops e trabalhando em performances de bateria.
Ajustes começaram a aparecer enquanto as músicas estavam sendo finalizadas. Chegávamos a um estágio em que tínhamos um vocal final ou próximo do final, e depois tentávamos algumas mixagens para ver o que tínhamos. Nesse ponto, eu começava a experimentar diferentes sons de guitarra, para tentar empurrar as músicas para uma nova sensação. Suponho que é algo que herdamos da cultura do dance trip-hop, onde o próprio som é o motivo, onde as notas e o quão memoráveis são as partes têm tanto a ver com seu som e sua textura quanto com a melodia real que está sendo tocada.
Os sons que eu usei para "Mofo" e "Gone" foram muito abordagens de cultura dance, mas porque as partes são tocadas em guitarras elétricas em vez de teclados, elas têm um sentimento diferente.
Eu sempre gostei de tentar levar a guitarra em uma direção diferente. Existem muitos guitarristas por aí que tocam de maneira convencional e se saem extremamente bem, então eu realmente não sinto a necessidade de pisar nesse chão também. Estou sempre à procura de território que seja mais exclusivo para mim.
Para mim, foi libertador ver que o som e a textura poderiam realmente fazer uma grande declaração em nossas novas músicas. Eu ainda sou fascinado por melodias, e certamente não estou deixando isso para trás, mas acho que para algumas dessas músicas foi uma boa reviravolta não fazer um tipo convencional de gancho de guitarra para a melodia, mas para tentar encontrar algum som extraordinário que poderia criar o mesmo efeito.
Eu realmente fiz um monte de experimentação, juntando um monte de pedais simples e encontrei um caminho onde os próprios pedais começariam a interagir e criar uma cadeia de efeitos quase instável. Você sabe, onde uma única nota poderia decolar e definir todo o sistema como uma espécie de desenvolvimento sonoro espontâneo e contínuo. Foi como muita compressão e distorção misturada com muita regeneração em máquinas de eco.
Minha abordagem era experimentar muito com guitarras e efeitos, e quando eu atingia algo selvagem, apenas deixava a fita rolar improvisando dentro do som que eu havia criado. Muito disso vem de um espírito de experimentação no estúdio e, às vezes, na sala de ensaios. Algumas vezes eu encontrei uma cadeia de efeitos que era particularmente incrível, e eu anotava o que era e quais eram as configurações, e em momentos diferentes eu tentava reutilizar a mesma cadeia.
O som do 747 é uma daquelas cadeias em que uso um pedal Digitech Whammy, um velho Fuzzface e uma das minhas antigas unidades de eco. Foi realmente e extraordinária a cadeia de sinal - todos os efeitos alimentaram um ao outro. É difícil explicar isso, mas é a minha coisa. Eu amo apenas brincar com sons no estúdio, mais do que experimentar partes ou estilos ou qualquer coisa. Isto é o que eu faço.
Isso acontece menos agora do que nos primórdios da banda, quando muitas músicas tiveram início no ensaio ou na passagem de som com base em alguém criando uma parte e todo mundo tocando. Muitas das minhas partes saíram dos sons que eu estava trabalhando. Os sons da guitarra inspirariam todo um tipo de abordagem para uma peça musical. Antigamente, quase no final desse processo, era o trabalho de Bono tentar descobrir algum tipo de contribuição vocal para algo que fosse apenas música.
E daí em diante, uma vez que houve algum tipo de ideia vocal, nós a desenvolveríamos em mais de uma música. "Bad", por exemplo, foi uma improvisação. Nós estávamos todos na sala de ensaio, tocando juntos. Houve alguns minutos apenas de improvisar com a música, e então Bono começou a improvisar melodias. Nós ficamos nesta ideia por uma hora ou meia hora, depois mais uma hora onde estávamos um pouco mais conscientes do que estávamos fazendo. Então, depois de algum tempo, descobrimos lugares onde essa música poderia ir e juntar tudo em uma estrutura coesa para formar o que se tornou a canção completa.
Essa é uma técnica que usamos muito, e funcionou muito bem para nós, porque nenhum de nós era músico treinado. Então, foi o salto espontâneo de ideias um do outro que criou muitas das coisas. Nós tocarmos foi muito melhor do que o nosso entendimento."
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