Tendo início em 1982, e incluindo mega turnês, Willie Williams - e seu Treatment Studio - tem sido designer e o espírito criativo por trás do visual do U2, colaborando com a banda enquanto seu território visual continuou a se expandir.
Agora, 40 anos depois, seu novo show, 'U2:UV Achtung Baby Live At Sphere', impressionando Vegas e o mundo, inaugurando enorme local de performance Sphere e criando uma tempestade de mídia no processo.
Vídeo imersivo massivo, um palco redondo inspirado no toca discos LED projetado por Brian Eno, visuais impressionantes, iluminação dramática e uma performance incrível de uma das bandas de rock mais veneradas do ramo. O site Live Design conversou com Willie Williams sobre esse mega projeto.
Quando você e U2 souberam que estariam inaugurando o Sphere e viram que parecia um projeto assustador?
A idéia surgiu pela primeira vez há cerca de dois anos e, inicialmente, eu não estava tão interessado. O pensamento de passar um longo período de tempo em Las Vegas não era muito atraente, mas mais pragmaticamente eu estava preocupado em conceber um show baseado em um equipamento, em vez de o contrário. Todos os shows baseados em imagem que fiz começaram com uma ideia, da qual a superfície do vídeo é o suporte, em vez de começar com hardware. Estou sempre dizendo aos alunos que você não pode iniciar um design com uma lista de equipamentos, e isso parecia ser uma versão enorme disso.
Como você abordou o design, dado o enorme volume do espaço e da tela de vídeo - pareceu um enorme playground fabuloso para sua criatividade ...
Desde as primeiras conversas com a banda, eu me esforçava para salientar que estávamos fazendo fazendo um transatlântico e não um bote. Uma vez que o processo de design aumentou, não seria possível mudar de curso rapidamente. Não sendo seu primeiro trabalho com uma tela de vídeo grande, eles entenderam isso completamente e permaneceram envolvidos durante todo o processo de design.
Como sempre, começamos com um think tank sobre que tipo de show podemos achar interessante. A equipe criativa estendida do U2 gosta de se reunir para um fim de semana e juntar tudo o que estamos pensando desde a última vez que fizemos um show. Em termos práticos, Es Devlin, Ric Lipson, da Stufish, e eu formamos um trio para liderar, desenvolvendo storyboards e direcionando o processo nas semanas e meses seguintes. É claro que, com esse projeto, não apenas tivemos que imaginar um tipo de show totalmente novo, mas tivemos que imaginar o local em que seria realizado.
O que a banda queria alcançar com o design do show?
O brief estava aberto, mas sabíamos que queríamos criar um show abrangente com uma linha coerente. Achamos que isso também poderia funcionar como uma espécie de show de grupo para artistas digitais, alguns dos quais trabalhamos diretamente, outros que nos referimos de forma mais oblíqua. Bono teve uma ieéia poderosa e inicial de que, em algum momento, durante o show, devíamos "fazer o prédio desaparecer" para revelar exatamente o que estava lá fora. Ele também estava interessado em envolver o trabalho de um artista irlandês, John Gerrard, que faz paisagens digitais que incluem uma bandeira e se relacionam com as questões ecológicas.
Como você fez o design de vídeo, em termos de conteúdo ... e em termos de design, fluxo de trabalho, processo .. Quem eram seus colaboradores e fornecedores?
Treatment Studio assumiu a tarefa monumental de produzir todo o conteúdo do vídeo para o show. A maioria das seqüências de vídeo no show é dirigida por mim e produzida internamente pela equipe da Treatment de criativos de vídeo, juntamente com o trabalho produzido em conjunto com belos artistas e diretores. Marco Brambilla, Es Devlin e John Gerrard contribuíram com peças com base nos trabalhos existentes, embora tudo tivesse que ser refeito do zero, dada a enorme resolução da tela. Para a peça de "prédio desaparecendo" de Bono, comissionamos a Industrial Light & Magic para criar uma sequência CGI que provou ser uma joia absoluta.
Muitas vezes, uma grande parte da tarefa era racionalizar os tempos de renderização. Inicialmente, algumas seqüências estavam calculando tempos de renderização de até 15 minutos por quadro (aproximadamente duas semanas de renderização por minuto de filmagem), o que era claramente insustentável. Brandon Kraemer foi o líder técnico da Treatment, trabalhando com Smasher Desmedt, Disguise e Fuse para criar um fluxo de trabalho viável para os artistas.
A Realidade Virtual se mostrou muito útil para projetar o show, pois era frequentemente a única opção disponível para visualizar o que estávamos fazendo. A resolução da Realidade Virtual ainda é muito baixa, por isso não se tratava de qualidade da imagem, mas freqüentemente foi útil para decidir o tamanho que algo precisava ter ou a rapidez com que algo deveria se mover. Também foi ótimo poder ver elementos de todo o edifício sem subir e descer escadas.
E a iluminação, como você projetou isso para estar no mesmo espaço com o vídeo - quais foram os objetivos da iluminação. Como você colaborou com o diretor de iluminação Alex Murphy?
Ah, a iluminação. O Sphere possui uma plataforma doméstica de cerca de 150 luminárias, mas sua utilidade é extremamente limitada. Na maioria das vezes, as lâmpadas estão espalhadas ao longo do trilho, o que significa que a única coisa que elas podem fazer é fornecer uma luz frontal plana ou apontar para a tela, nenhum dos quais é particularmente útil. Encontrar locais para qualquer iluminação vinda de trás neste edifício é uma quase impossível sem ter que usar uma estrutura na frente da tela, o que seria um pouco autodestrutivo, por isso era realmente um quebra-cabeça. Com a maioria dos meus shows, geralmente acho que me deixei com muito poucas opções para colocar luminárias, mas isso realmente levou o desafio a outro nível. Depois de muitas explorações (incluindo uma plataforma elevatória tipo tesoura, painéis de tela com persiana e arcos), eu cheguei nos quatro postes de lâmpadas cromadas articuladas. Ao serem "esticados", o acabamento cromado os ajuda a desaparecer na imagem do vídeo, mas eles também podem "dobrar" se realmente queremos uma imagem limpa.
Eu queria que os postes de luz fossem mínimos de espessura, o que afetava a carga útil, por isso nos encontramos tentando reinventar o entretenimento ao vivo com uma soma total de doze luzes traseiras. Eu sempre pensei em mim como um minimalista que acabou fazendo coisas grandes, mas esta é uma coisa pequena, mesmo para meus padrões.
iMag e iluminação para a câmera eram preocupações muito importantes da banda. Eu tenho a mesma idade que os membros da banda e certamente não gostaria de close-ups gigantes e de alta resolução do meu próprio rosto circulando o planeta, então simpatizei com a hesitação deles. Além disso, dado que os artistas hoje em dia são filmados pelo público durante todo o tempo e de todos os ângulos concebíveis, eu sabia que isso era algo que eu precisava levar a sério.
Uma decisão sábia e inicial foi apenas trazer todo mundo. No departamento de iluminação, reuni Alex Murphy e Ethan Weber de seus dias de glória na turnê 'U2360' e acrescentei Matt Beecher, que foi meu diretor de iluminação para o show 'Surrender' de Bono no início deste ano. Para trabalhar a câmera naquela coisa antiga de frame, convidei Allen Branton e Felix Peralta a vir para todo o período de montagem e ensaio. Smasher está dirigindo as câmeras e tomou a brilhante decisão de gastar seu orçamento em menos câmeras de maior qualidade (câmeras de filmes digitais, essencialmente), por isso nos demos todas as chances de ter sucesso. Smasher, Allen e eu voltamos das gravações de 'Zoo TV Live From Sydney', então nos conhecemos de dentro para fora, tendo muita confiança e respeito um pelo outro e pelo processo. Estou encantado com o resultado e os membros da banda também estão. Dados os parâmetros, é bastante notável o desempenho das imagens da câmera.
Quais foram os maiores desafios neste projeto?
O maior desafio técnico foi criar um sistema de playback adequado para rodar um show ao vivo. O sistema da casa da Seventh Sense foi projetado para mostrar filmes com resolução extremamente alta, mas não é um sistema baseado em timeline do tipo normalmente usado em turnês de concertos. Liderado por Brandon Kraemer da Treatment, em conjunto com Smasher, Disguise & Fuse, criamos um sistema que reúne cerca de vinte e três servidores de mídia GX3. Isso fornece a resolução necessária (estamos rodando principalmente 12k x 12k), mas também nos oferece toda a integração da câmera e manipulação de imagens que estamos acostumados a fazer em uma turnê. Esse feito por si só é digno de um prêmio Nobel.
Fazer qualquer show é a confluência de arte, ciência e diplomacia e, nesse projeto, a diplomacia foi de longe o maior obstáculo. Não estávamos apenas trabalhando em um prédio inacabado, mas também tivemos que trabalhar em conjunto com Darren Aronofsky e a equipe que estava fazendo o filme imersivo que é a atração da casa do Sphere. O duplo golpe de tentar fazer ensaios de produção em torno de obras de construção e também ter que compartilhar o espaço com outro projeto foi um desafio único na vida. Felizmente, tínhamos Jake Berry no comando que, caso perdesse o amor pela produção de shows, agora poderia facilmente conseguir um show com a Diplomatic Corps.
Onde acabamos chegando com o show é bastante notável, e a resposta global nos pegou de surpresa. É uma coisa tão estranha - toda vez que fazemos um novo show, tudo entra nele. Às vezes, um show pode receber boas críticas, mas realmente não atrai muita atenção fora da bolha imediata de turnê. Desta vez, porém, todo o mundo ocidental parece ter tomado nota do que estamos fazendo. Estou absolutamente encantado com o U2. Não apenas esse show está recebendo ótimas críticas, mas todo o seu legado de ter sido as pessoas que ultrapassaram as fronteiras conceituais e tecnológicas por décadas parecem finalmente estar sendo reconhecidas. É extremamente gratificante fazer parte disso.
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