O cineasta Robert Brinkmann, nascido na Alemanha, foi o responsável por todas as filmagens em preto e branco do filme-concerto 'Rattle And Hum' do U2.
O site ATU2 realizou uma entrevista com ele por telefone em 2018, ano em que o longa completou 30 anos!
Brinkmann contou como conheceu o diretor Phil Joanou, como foi chamado para trabalhar com o U2, como foi a decisão de gravar cenas em preto e branco e o incômodo da banda com as câmeras:
"Eu e o Phil Joanou fizemos um filme juntos na escola de cinema, chamado 'Last Chance Dance'. Esse foi um filme que de alguma forma Spielberg conseguiu ver e literalmente arrancou Phil da escola de cinema e lhe deu um emprego na Amblin e deu a ele um episódio de Amazing Stories para dirigir, que na época era a meia hora mais cara de televisão já produzida.
Phil meio que teve o sonho de qualquer estudante de cinema e ele era realmente o tipo de 'cara' no momento; ele era um jovem talentoso e Spielberg queria estar envolvido com ele. Todo mundo queria estar envolvido com ele. E ele era um grande fã do U2 e quando soube que o U2 queria fazer um documentário, ele viajou para conhecer o U2 e se apresentou para ser o diretor. Você sabe, ele tem muita energia e entusiasmo e pode ser muito convincente e ele os convenceu.
Para ser sincero, eu não era um fã do U2. Eu conhecia algumas músicas e gostava delas, mas não sabia muito sobre elas. Então, quando Phil me ligou e disse que tinha esse filme que ele queria que eu filmasse, eu fui imediatamente para a Tower Records e comprei todos os álbuns do U2 que eles tinham e comecei a ouvir as músicas. E então eu estava em um avião para Boston, eu acho, onde a turnê já estava acontecendo e eu tinha que começar imediatamente. Foi incrível, porque eu estava realmente no set gravando outra coisa e Phil disse: "Eu quero que você voe amanhã". E eu disse: "Bem, eu estou terminando outra coisa", que foi meu primeiro longa e nós tínhamos mais três dias para filmar. Então ele disse: "Tudo bem, venha em três dias". Três dias depois, eu estava em um avião e não parei. Eu estava viajando com eles e fiz isso pelos próximos três meses e meio.
A ideia em filmar em 16mm e preto e branco foi do Phil e minha. Parte disso foi uma espécie de "tentar a sorte" porque na época, realmente não havia câmeras digitais. Para ter uma característica de cinema, você tem que gravar em 35mm ou 16mm. Então, para o documentário que fazia parte do filme, 35mm era proibitivo. Precisávamos ser capazes de filmar por muito tempo e queríamos ter lentes de zoom na câmera para que pudéssemos ficar de pé na lateral ou no canto e alcançar nossa lente para capturar algo. Se você sabe alguma coisa sobre câmeras 35mm, é difícil você carregar elas por 10 minutos. Elas são muito grandes e pesadas e as lentes de zoom para câmeras de 35 mm são gigantescas. Então, não é algo que você possa segurar no seu ombro o dia todo. Então, fomos empurrados para 16mm, porque era a única maneira de filmar 10 minutos e ter lentes zoom ao mesmo tempo. Caso contrário, você pode ter que carregar 20 - 30 quilos em seu ombro o dia todo.
E o preto-e-branco foi uma sugestão que dei e o Phil adorou, porque, num documentário, você não tem controle sobre os locais onde está filmando. Onde quer que a banda vá, é aí que você tem que filmar, e muitos dos locais dos estádios não são muito bonitos. Você tem assentos laranjas, assentos azuis, o palco atrás é pintado em cores muito berrantes. E percebemos que a única maneira de fazer isso parecer coerente é tirar a cor de tudo e tornar preto e branco. Aconteceu de combinar com a vibe da banda porque as fotos de Anton Corbijn para 'The Joshua Tree' eram todas em preto-e-branco, então parecia uma escolha que se encaixaria com a banda e, ao mesmo tempo, nos ajudaria. Ao contrário de um longa-metragem em que você tem um departamento de arte que pinta todas as cores que você deseja, nós não poderíamos fazer isso porque quando entramos em um local, é aquilo que temos que filmar, e o preto-e-branco ajuda.
É engraçado, muitas pessoas dizem agora, em retrospecto: "oh, uau, que grande trabalho". No momento, foi um grande trabalho e uma grande oportunidade, mas eu não sei se muitas pessoas tradicionais de Hollywood teriam entrado nisso, porque eu saí do avião em Boston e comecei a trabalhar e nós estávamos trabalhando em torno do relógio. Sabe, tínhamos câmeras nos nossos ombros, dormindo em lobbies de Hotel, esperando a banda sair para fazer alguma coisa. Não havia dias de folga. Sempre que algo acontecia, estávamos prontos para gravar. E continuou assim por meses. E foi ótimo, porque tendo 26 ou 27 anos fora da escola de cinema, você não poderia esperar por um show melhor, é muito divertido. Foi muito intenso, mas foi um momento incrível.
Os membros da banda não estavam muito confortáveis com a ideia das câmeras os seguindo e Phil usou isso. Quando o filme começa, o primeiro documentário é exatamente sobre isso, mostrando como eles estão desconfortáveis. Mas, ao mesmo tempo, foi a banda que iniciou o filme! E foi essa coisa de empurra e puxa. Então, eles, na verdade, contrataram a equipe de filmagem e eles ficaram encarregados da produção até que a Paramount comprasse os direitos. Então, foi definitivamente o projeto deles, sem dúvida. Mas, ao mesmo tempo, eles não queriam nos ajudar a tornar isso mais fácil. Eles não nos diziam o que estariam fazendo e tentavam evitar as câmeras. Nós estaríamos correndo atrás deles dizendo: "ei, estamos aqui para filmar você e você não nos quer?"
Mas eles estavam muito preocupados em parecer que estavam se engrandecendo. Eles queriam ter esse projeto, mas não queriam ser vistos como posando de alguma forma.
Eles acabaram sendo acusados disso, porque eu acho que eles tentaram controlar a sua imagem em um grau que realmente não ajudou. Eles queriam projetar um certo aspecto de si mesmos, então fomos ao Harlem e filmamos com um coral, ou filmamos com BB King. As coisas que eles amavam na América e as coisas com as quais eles queriam se associar, nós capturamos isso, mas o que era mais difícil de capturar - que fizemos e capturamos e acabou não entrando no filme - foram os verdadeiros momentos privados. Quando você pensa em grandes documentários de rock and roll, meu favorito de todos os tempos é 'The Last Waltz' (de Martin Scorsese). Não há barreira. Eles são completamente abertos e permitem que as câmeras capturem a si mesmos e, para mim, pessoalmente, esse é o maior arrependimento, se eles não se preocupassem com isso e nos deixassem filmar tudo sem nenhum tipo de regra. No final, eles ainda teriam feito um filme que os faria parecer legais. Quer dizer, nós éramos fãs. Nós não queríamos fazer nada desfavorável, não importando o que gravássemos. Mas eles queriam proteger algum aspecto de si mesmos e, infelizmente, essa barreira aparece no filme".
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